Hawaiian Music History – En kort oversikt

H

Musikk er en del av hverdagen. Vi hører på den på vei til jobb, når vi trener, mens vi kjører ærend; altfor ofte i bakgrunnen. Likevel er musikk en unik uttrykksform som kartlegger historie, tradisjon og kultur. Musikk er selve stoffet i hawaiisk kultur, historien flettet seg gjennom århundrene og utvikler seg til lyden du hører i dag. Europeiske nybyggere har kanskje ikke oppdaget øyene før på 1700 -tallet, men hawaiianere oppdaget sanggaven i god tid før utlendinger satte foten på Hawaii -kysten.

En av de mer nysgjerrige tingene på det hawaiiske språket er at det ikke er noe ord for “musikk”, men strukturen har vært en bærebjelke i hawaiisk tradisjon. Mele, eller sang, var et ritual i det gamle Hawaii, et middel for å bevare forfedrenes historie. Disse sangene kroniserte historier om slekt og slekt om hawaiiske guder, historier visuelt fortalt gjennom dansen av hula. Ritualer ble guidet av et trommeslag og et lite orkester av steiner, pinner og rangler, som la grunnlaget for tidlig hawaiisk musikk.

Kontakt med europeiske nybyggere på 1700 -tallet introduserte hawaiianere for verdens kulturer. Misjonærer hadde med seg kristne salmer og forskjellige europeiske instrumenter som fløyte, fiolin og piano. Men hawaiianerne var mer fascinert av gitaren brakt av spanske cowboys, eller paniolos. Hawaiianere omtalte spansk musikk som Cachi-cachi fordi deres raske og improviserte spillestil raskt fanget opp. Da spanjolene kom tilbake til hjemlandet, forlot de gitarene sine som gaver.

Lokalbefolkningen var ivrig etter å lage sin egen spillestil, og begynte å slakke strengene og skape en distinkt fingerplukkestil som passet deres rytmiske følsomhet. “Slack-key” gitar ble en lokal mani og oppmuntret til innovasjon av en annen spillestil-“steel-guitar”. Dette innebar å skyve et stykke stål langs strengene, noe som ga en beroligende, drømmeaktig kvalitet som snart ville bli lyden som representerer hawaiisk musikk.

Disse innovasjonene inspirerte lokalbefolkningen til å omfavne andre former for instrumentering. Melodien forble fast i vokalen, med vekt på språk og kultur, mens lyden, akkurat som gamle ritualer hadde diktert, ga harmoni og støtte. Mange oppdaget at de hadde medfødt musikalsk talent, og Hawaii fikk raskt et slikt talent for et orkester. I 1915 ble Royal Hawaiian Band invitert til å konkurrere på Panama Pacific Exposition i San Francisco. Dette var første gang folk hadde hørt om Hawaii, en kultur og et språk som ble uttrykt gjennom sang. Det malte et frodig portrett av øyene, et inntrykk av at alt er like melodisk og polert som musikken de fremførte.

Royal Hawaiian Band satte Hawaii-kulturen på kartet, og det var Tau Moe, en familie på fire også kjent som “The Aloha Four”, som populariserte stålgitaren. De var Hawaii sin egen supergruppe, som turnerte over fastlandet, deretter verden. Hawaiis øyfødte innovasjoner og rytmiske harmonier hadde funnet et globalt publikum.

Opptaket begynte å gjøre det mulig for folk å ta med seg Hawaii hjem. På 1920 -tallet fikk radioprogrammeringen av “Hawaii Calls” og direktesendinger av hawaiisk musikk folk til å føle at de virkelig var der. Nesten hvert hotell – de eneste stedene som er store nok til å huse band og orkestre – hadde satt opp radioutstyr. Et band som underholdt gjester spilte plutselig for verden. På 1950 -tallet ble Hawaii Calls sendt til 750 stasjoner.

Hawaiisk musikk avtok på 60 -tallet. Lokale musikere som Don Ho og Joe Keawe trivdes fortsatt, men fastlandsartister hadde oversvømmet scenen etter å ha prøvd seg på sjangeren utelukkende på grunn av populariteten. Hawaiisk musikk sto i fare for å bli en kjepphest hvis det ikke hadde vært for neste generasjon musikere.

Gabby Pahinui la vekten tilbake på kultur. Han var en slapp nøkkel og falsettunder, og hadde funnet inspirasjon gjennom tradisjon. Etter hvert som hawaiisk musikk ble mer populær, ble det stadig mer om stil. Etter at kunstnerne på fastlandet hadde flyttet videre, fokuserte sjangeren på lenge kulturelle temaer om suverenitet og nasjonal stolthet, og ledet dermed en kulturell oppvåkning.

Hula var midt i en gjenoppblomstring. Merrie Monarch Festival, en gang en turistkonkurranse, ble en feiring av kultur som hulagrupper, eller halaus, var nå pålagt å lage originale sang for rutinen. Det var en lisens for å lage i stedet for å gjenta, introdusere en ny tradisjon for festivalen ved å hedre tidligere. Merrie Monarch ga opphav til artister som Keali’i Reichel og The Brothers Cazimero.

Denne renessansen innledet en epoke med hawaiiske superstjerner. Sonny Chillingworth og Willie K ble æret for sin sløvhet, mens Linda Dela Cruz og Amy Hanaiali’i Gilloms falsettundring gjorde dem til sensasjoner over natten. Israel Kamakawiwo’ole, bare kjent som Braddah Iz, forblir som den mest anerkjente hawaiianske musikeren gjennom tidene. Medleyene hans om “Starting All Again Again” og “Somewhere Over the Rainbow” er i syndikasjon den dag i dag, mens “Hawaiian Supa ‘Man” er en passende mytisk fremstilling av hans talent og stil.

Reggae ankom ikke Hawaii før på 80 -tallet. Opprinnelig avskåret av tradisjonalister, passet reggaes rytmiske undring godt sammen med Hawaiis lignende musikkfølelser. Hawaii har siden adoptert reggae og den større jamaicanske kulturen med åpne armer. Rastafariflagget er et symbol på nasjonal stolthet sammen med Hawaiis eget statsemblem. Reggae og Hawaii er uatskillelige på radioen i dag, og avler “Jawaiian” som en populær og meningsfull subgenre i kanonen.

Det som gjorde hawaiisk musikk så avgjørende var kulturen. Det fikk folk til å stoppe opp og lytte. Hawaiiske temaer, tradisjoner og historiene de forteller er det som definerer hawaiisk musikk som en sjanger. Så lenge kunstnere henter inspirasjon i språket og kulturen, vil musikken forbli viktig for verden.

About the author

Add comment

By user

Recent Posts

Recent Comments

Archives

Categories

Meta